Es ist der unterschwellige Gedanke, sich in einer paradiesischen Gemeinschaft zu befinden, die aus sich heraus existiert, in einer sehr alten Sehnsuchts-Gesellschaft, in der Frauen, Kinder, Tiere und Pflanzen als Repräsentant*innen des Fürsorge-Prinzips das Sagen haben. Und was sie sagen ist, dass wir im Großen und Ganzen auch ohne Männer prima koexistieren können, sogar der Löwe in dieser Vision, der König der Tiere, frißt friedlich zusammen mit dem Lamm Gras und Kräuter. Vegy day forever!

Ein tolles Bild, ein großes Versprechen, es stammt aus dem Alten Testament und es lässt uns den Blinden Fleck übersehen: der biblische Gott, der das alles aufs Wunderbarste geschaffen hat und es nun mit Wohlgefallen betrachtet, das ist dann ja schluss- endlich doch ein Mann, einer von den überflüssigen Wesen, ohne die es ja auch gehen könnte.

Der Klebstoff, der das feministische Mosaik unserer Impression zusammenhält, funktioniert geistesgeschichtlich betrachtet allerdings auch schon seit längerem, spätesten seit Pythagoras. Er könnte einer Art Saint Simonistischer Utopie entstammen, ein moderner polyamorer Lebensraum aus dem 19. Jhdt wäre das, in dem in unserem Fall die Männerfrage irgendwie im fließenden Dazwischen beantwortet ist: wohl nicht das Mann-Sein an sich gehört abgeschafft, nicht in Bausch und Bogen, sind doch die sensiblen und exaltierten Visionen, die in dieser Ausstellung die Wände schmücken, alles andere als nur plakativ maskuline Manifestationen.

Vielmehr wäre das gesellschaftlich gemachte viril patriachalische Prinzip vom Thron zu stoßen, warum nicht im Rahmen einer sanften Revolution, so eine alternative Lesart des ikonographischen Codes.

Der biologistische Thron wird abgeschafft, Veränderung wird angesagt, und das könnten uns die Bilder auch tatsächlich sagen wollen, es scheint schlüssig, klingt es doch ganz konkret auch in einem der ausgestellten Gemälde an, wenn dort eine verschwindend winzige männliche Plastik deutlich genug zu sehen ist, ein Torso, den eine junge Frau in die Höhe hält, vielleicht als Verweis auf Rilkes epochales Gedicht vom archäischen Apoll, das mit dem Ausruf schließt: Du musst Dein Leben ändern.

Bartolmäs verbindet dabei das idealistische Torso - Motiv, das vom Menschen Individualität, Eigentlichkeit und Offenheit fordert, mit den dammbruchartig Daten generierenden und flutenden massenmedialen Geräten, hier sind es Handy, Bildschirme, alles die Kontrapunktik einer Harmonie parallel zur Natur, in deren „Realisation“ für Cezanne die künstlerische Aufgabe bestand.

Zurück ins Hier und Jetzt! Christoph Bartolmäs erscheint uns als Künstler von introvertiertem, stillem, einfühlsamen Wesen, der die bonne Peinture pflegt. Er bewegt sich im Raum einer poetischen Sachlichkeit, der mich atmosphärisch an Impressionismus und entfernt an die gedämpfte Salonmalerei des 19. Jahrhundert erinnert und dabei, so wie er nach meiner Ansicht alte malerische Tugenden reflektiert, auch inhaltlich auf die damit tradierten bürgerlichen Weiblichkeits-Mythen anspielt.
Der männliche Blick ist hier in der figuralen Gestik und dem kompositorischen Arrangement allgegenwärtig. Doch nicht uneingeschränkt: Das heißt hier:

Man sieht verhaltene, sinnbildliche, metaphorische Anspielungen auf die männlichen Wunsch-Bild-Fantasien von der erwachenden Weiblichkeit, wie sie auch heute noch en vogue sind, sehen das Klischee von dem „Jungen Mädchen“, das mit 17 noch Träume hat, den begehrlichen male view auf seiner Haut spürt und dem sexistischen Märchen nach zur raubtierhaften femme fatale werden kann.

Wir stoßen in der Ausstellung aber auch mehrmals auf die intime Ansicht von einer Lesenden, die sich in einem Buch über das Leben im Fiktionalen verliert, bevor sie es selber wagt, in die Wirklichkeit einzutreten und für sich entscheidet, auf welchem Weg sie sich als Frau verwirklichen möchte. Gib es ein Leben außerhalb der Koordinaten des männlichen Blickfeldes? Coming of Age? Authentizität oder Abziehbild? Keine Tabus: Sehen wir weiter.

Bartolmäs verbindet seine Darstellungen von Mensch und Tier auch mit symbolisch aufladbaren an sich sachgerechten
neutralen Objekten. Bett-Umrandungen sind das, Bücher, Fenster, Gitter, Gewandfalten alles unauffällige Alltagsgegenstände, in denen sich die hier behandelten Gedanken zur Emanzipation weiterführend verbildlichen lassen und in zeitgemäßer Mehrdeutigkeit interpretiert werden können, nach der Formel: Ein Gitter, das mich wegsperrt, ist auch eine Leiter, die mich befreit.

Jungen Frauen, so wiederholt das Setting, lassen sich aber bei weitem nicht mehr so uneingeschränkt beeindrucken wie zur Zeit ihrer Ur-Großmütter und der Soufragetten. Sie versuchen mittlerweile unübersehbar außerhalb der femininen Stereotypen bei sich selber und in ihrer eigenen Identität anzukommen, so die sinnbildliche Gebärdensprache der Dinge und ihre Anmutung hier in den Bildern,

anzukommen, ohne mit dem angelernten anmacherischen Gestus des Posings zwischen Verführung und Unterwerfung zu kokettieren und sich als Klasse Frau dem traditionell normierten sexistischen Verhaltenskodex zu unterwerfen.

So funktionieren im gegebenen Denk- und Konnotations-Rahmen die Motive des Bett-Gitterwerks, des Buches mit seiner vergitternden Zeilenstruktur, des Tiergatters und des Rechner-Bildschirms mit der Passgenauigkeit seiner Algorhythmen, auch ohne weiteres im emanzipatorischen Sinn. Da funktionieren sie als Momente der Überwindung von männlicher Fremd-Bestimmtheit, oder treffender noch, als in sich ambivalente Grätsche zwischen Anpassung und Ausbruch.

Das Leiter-Bild, das eine junge Frau auf dem Entdecker*innen-Weg nach oben zeigt, wie eingesperrt in einem metallischen Gitterturm oder Käfig ist in diesem Zusammenhang besonders beredt, verbindet es doch in höchster Konzentration und traumartiger Verdichtung individuelle, gesellschaftliche und geschlechtliche Aspekte.

Das Bild, das bereits verkauft wurde, hier aber auf der Einladungskarte zu sehen ist, ist angefangen vom Begriff der Klimax als sexueller Höhepunkt, durch und durch sexualisiert. Der Blick geht nach oben, der Saum des Kleides über das Knie, doch der malerische Ausdruck will uns auch sagen: es ist ein einsamer Gang, ein Gang für Mutige, es geht um unsere Würde, irgendwo lauert die Sittenpolizei.
Die Auseinandersetzung mit dem männlichen Blick, der nur das eine sieht, ist auch in unseren Darstellungen wie in einem Spiegel überall erkennbar, seiner Eindimensionalität
jedoch begegnet der Künstler mit Empathie und subtiler Malerei.
Die domestizierende Fixierung von Vogeltieren im goldenen Stilrahmen, die Herrschaft und Vögeln verbindet, treibt das Thema auf die parodistische Spitze.

Nun zu Axel Bunt: Er arbeitet dreidimensional, 
er baut Reliefbilder bzw flache Bildkästen, und symbolisch betrachtet „Schubladen“, die es in sich haben. Verwendet Schlagmetall, Gold, die feste Währung. Bildet durch raffinierte Farb-Stufungen hyperplastische, den Rahmen sprengende Verhältnisse. In all dem könnten aus der Ferne auch Pop-Art und Frank Stella grüßen.

Die Bild - Bestandteile sind an sich einfach, 
ein breiter Rahmen und in die Tiefe 
gehende, kulissenartig geschichtete Flächen: Doch die Farbigkeit ist bombastisch: feurig bemalte vegetabile Formen, die im Auge der Betrachter*innen zu lauten und betörenden Gesten der Extraversion, der dionysisch vitalen Begeisterung werden. Die Farbwissenschaft der Konkretion, die Lehre vom Simultankontrast, die hier anklingt, gerät außer Rand und Band. Explosion, Implosion, Akryl auf MDF. Und darin aber auch dem Kollegen Bartolmäs verwandt, dass beide in ihrer jeweils eigenen Stilistik, alles andere machen, als der erotischen Reizmalerei zu entsprechen. Mit Frechheiten und Anzüglichkeiten wird gespart, bei aller Abstraktheit jedoch gibt es sie , allerdings nur auf Englisch.

Motive sind neben denen, die botanischer Natur sind, Landschaften, weibliche Kopf-Portraits, Tiere, vor allem der Mops, ein kreuzbraves Tier, Verkörperung des Treue - Versprechens, das kreuz und quer durch die Kunstgeschichte geht wenig Jagdtrieb besitzt und gegen den Krieg ist. Alles im enthemmten psychodelischen Farbenrausch.

Vegetativ anmutende Elemente werden da, wie schon angedeutet, in einer die Schranken überwindenden, dem Prokrustes-Bett der gesellschaftlichen Norm entfliehenden Bewegung mitgerissen, während Bartolmäs auf der narrativen Ebene unterwegs ist und diszipliniert und in melancholisch heiterer Ruhe allerhand Reise-Geschichten über die Innen- und die Außenwelt, über Anpassung und Selbstverwirklichung, über Heute und Morgen erzählt.

In einem Objekt-Beispiel von Bunt ein interessantes Phänomen. Da taucht unübersehbar ein Kreuz auf, das einen spannenden religiös akzentuierten Bezug herstellt, Bunt präsentiert nämlich die Nonne Hildegard von Bingen, die mittelalterliche Frau, deren lebensbejahende sexuelle Offenheit der Zeit voraus war, er zeigt sie vielleicht als frühe Vorkämpferin der weiblichen Emanzipation und macht für mich eine Geistesverwandtschaft denkbar, die mit Lady Gaga geht, der Sängerin und Performerin, die durch ihre sexuell provozierenden Darstellungen jungen Leuten Mut machen will.
Große Mädchen weinen nicht!

Coming of Age, ein Titel, den wir dem ausstellerischen Ensemble zusätzlich vorangestellt haben, parallel zu the Missing Link, ist ein soziologisch antropologischer Begriff, der den natürlichen Übergang von der Kindheit in die Adoleszenz bezeichnet.

Der Übergang ist fließend, the missing Link, das Verbindungsstück, der Quantensprung fehlt auch hier.

Erwachsen Werden, das beinhaltet hier auch den weiter oben angesprochenen Blick-Begriff, einmal als Begriff des existentiellen Sich- in-die- Erwachsenen-Zukunft - Entwerfens und des individuellen Aufbrechens und Ankommens bei sich selber. Nicht im Wir und Man, vielmehr im Ich und Du. Der Begriff des Advents, der besonderen spirituellen Ankunft, ist vielleicht gar nicht so weit hergeholt: warum denn nicht, wenn man genau hinsieht: Krippe kann überall sein, auch in dieser Ausstellung, Tiere sind da, Kinder sind da, mit leuchtenden Augen, Mutter und Vater ebenso, unbefleckt geht es auch, ohne Mann ... Sternenlicht, beinah wie in Bethlehem, die ganze Welt ist Stall... und wir sind seine Hirten.

Das intensive Licht in den Malereien der beiden Künstler kann hier mehr leisten als ästhetisches Dekor zu sein und nur beiläufig etwas zu beleuchten. Es darf als eigenwertiges magisch mystisches Leuchtlicht gesehen werden, als eigenwertiges Licht-Sinnbild und Real-Metapher, die das ist, was sie ist.

Dies stellt mit der Frage, was ich in meinen eigenen Augen bin und in den Augen der Anderen, unser Kernthema auf. In Sartres Hauptwerk „Das Sein und das Nichts“ wird das Phänomen des Sehens und Gesehen – Werdens beispielhaft und umfassend behandelt.

Was der große französische Denker ausspart, ist das Moment, das wir eingangs im Zusammenhang mit der paradiesischen Aura, die die Kunstwerke durchdringt, vage angesprochen haben, ohne es weiterführend zu vertiefen. Was macht es mit uns, wenn uns in dem herrschaftsfreien, pazifistischen Refugium, das wir uns wünschen, Tiere anblicken und uns mit ihren Blicken bis ins Innerste durchdringen?

Tiere blicken Dich an: Tierfotograph Heinz Sielmann, übrigens ein Freund von Joseph Beuys, dem Hasen-Freund, hat diesen Titel für eine seiner atemberaubenden, begeisternden Veröffentlichungen verwendet, er zeigt die Augen der Tiere als Höhlen-Lichter, die uns in der Tiefe des gegenseitigen Blickkontaktes in die Pflicht nehmen. Sie lassen uns spüren, dass wir, Mensch, Tier und warum nicht auch die Pflanze kommunikative Teile des Oikos sind, Bewohner und lebendige Bausteine des gemeinsamen Lebenshauses, Passagiere einer neuen Arche Noah.

Es fragt sich da beispielsweise, was Franz von Assisi veranlasst, die Vertreter*innen der Tierwelt als seine Brüder und Schwestern zu bezeichnen, was Hieronymus zum empathischen Löwendoktor machte und in seiner berühmten Bibel-Übersetzung feststellen ließ, dass Niemand gegen das 5. Gebot verstoßen und töten sollte. Alle, Menschen und Tiere gleichermaßen, hätten sich mit grünen Pflanzen zu ernähren. Kein Blut soll fließen. Keine Massentierhaltung: ehret unsere Mitgeschöpfe.

Es fragt sich, ob uns 2004 nach der Entdeckung des tatsächlichen Missing Link zwischen Primaten und Menschen das Erkenntnislicht intensiver leuchtet?

Da ist Zweifel erlaubt, und Optimismus nicht verboten.

Die empathische Nähe, die wir bereits als Kinder zum Tier empfinden und die Christoph Bartolmäs in seinem Zoo-Spaziergang mit einfühlsam genauem Strich bildnerisch zur Erscheinung bringt, scheint die Richtung vorzugeben.
Ebenso die Fensterbilder der intimen Wohnräume, die uns schließlich den aufs Tier gerichteten Kinderblick zeigen. Er bewegt sich im Modus der Nähe, noch jenseits der bürgerlichen autokratischen Allegorien von Sünde und Tugend, jenseits der Sinnbilder-Welten vom Weib als behütende Mutter und zerstörende Hure. Er bildet den Gegensatz zu den Bilder einer vergitterten Welt, wo die Leitern und Stufen herrschen, mit Ein- und Ausblicken, die im Aufleuchten der Erkenntnis die Trennungen aufheben und einen Ort des geistigen Lagerfeuers schaffen, um das sich Mensch und Tier gemeinschaftlich versammeln, um gemeinsam einen Traum zu träumen.